PARTE 1: LA LITERATURA BARROCA

Parte 1: La literatura barroca española

1.1. Contexto histórico, social y político en que se desarrolla la literatura barroca

La literatura barroca se desarrolla entre finales del siglo XVI y principios del siglo XVIII, un periodo que estuvo marcado por profundos cambios históricos, sociales y políticos. En el contexto histórico, Europa vivió un clima de crisis, después de la Reforma y la Contrarreforma, que dividió a la Iglesia Católica y las naciones protestantes. La Guerra de los Treinta Años (1618-1648) fue otro factor significativo, ya que afectó directamente a los países europeos y condujo a un profundo agotamiento político, social y económico. Esto generó una atmósfera de pesimismo y desilusión, características centrales de la literatura barroca.

Socialmente, el Barroco refleja una sociedad jerárquica, muy influenciada por las monarquías absolutistas que alcanzaron su apogeo durante este periodo. Se vivía bajo un sistema de clases rígido, con una aristocracia poderosa y un pueblo sometido a una fuerte desigualdad social. La vida cotidiana estaba marcada por la opresión de las clases más bajas, lo que influyó en una visión pesimista sobre el destino humano, la fugacidad de la vida y las riquezas.

Políticamente, el Barroco se desarrolló en el marco de monarquías absolutistas como la de Luis XIV en Francia o Felipe IV en España. Los monarcas tenían un poder absoluto, lo que se reflejaba en la literatura, ya que las obras barrocas frecuentemente ofrecían una visión de la autoridad y el orden, pero también de la opresión. La política absolutista contrastaba con los ideales renacentistas de libertad y razón.

1.2. Concepto de literatura barroca

La literatura barroca es una corriente literaria que se caracteriza por su complejidad, su exuberancia formal y su énfasis en el contraste, el juego de ideas y el simbolismo. Surgió como una reacción a la simplicidad y el equilibrio del Renacimiento, y se caracteriza por el uso de un lenguaje ornamentado, la profundidad de los temas y el enfoque en los aspectos más sombríos de la existencia humana, como la muerte, la fugacidad de la vida, el sufrimiento y la corrupción del alma. Se puede entender también como una manifestación del arte en tiempos de crisis y un intento por hacer frente a los cambios sociales y políticos de la época.

A través de la literatura barroca, los autores exploran temas como el desengaño, la vanidad de los placeres mundanos, la dualidad entre lo humano y lo divino, y las contradicciones inherentes al ser humano. Este periodo presenta dos grandes estilos literarios: el culteranismo (que se centra en la belleza formal y el lenguaje complejo) y el conceptismo (que busca mayor profundidad en las ideas, a través de una expresión más austera pero igualmente rica).

1.3. Características de la literatura barroca

Exceso de ornamentación: La literatura barroca es conocida por su estilo rebuscado y ornamentado. Los escritores usaban un lenguaje complejo, con abundantes metáforas, símbolos y otras figuras literarias que conferían una gran riqueza a las obras.

Pesimismo y desengaño: Muchos autores barrocos se centran en la fugacidad de la vida, el paso del tiempo y la inevitabilidad de la muerte. El concepto de "memento mori" (recuerda que morirás) está muy presente en la literatura de esta época.

Uso de figuras retóricas: Se emplean figuras literarias como la metáfora, la antítesis, la hipérbole, la paradoja, entre otras, para expresar las contradicciones de la vida y el conflicto entre el bien y el mal, la vida y la muerte.

Reflexión sobre la condición humana: Los escritores barrocos exploran las contradicciones del ser humano, desde la lucha interna entre el deseo y el deber, hasta la tensión entre lo divino y lo terrenal.

El contraste y la dualidad: En la literatura barroca se exploran contrastes entre lo efímero y lo eterno, lo bello y lo horrible, la luz y la oscuridad, lo divino y lo humano. Esta dualidad se refleja también en la literatura de la época.

Conceptismo y culteranismo: Dos estilos destacan en la literatura barroca: el culteranismo, que se enfoca en la belleza formal y en la dificultad del lenguaje, y el conceptismo, que privilegia la profundidad de las ideas y busca una economía en la forma.

1.4. Representantes de la literatura barroca

Luis de Góngora: Poeta español, uno de los máximos exponentes del culteranismo. Su estilo se caracteriza por la ornamentación del lenguaje, el uso de metáforas complejas y la riqueza en el vocabulario. Sus obras más destacadas incluyen La Fábula de Polifemo y Galatea y Las Soledades.

Francisco de Quevedo: Poeta y escritor español, representante del conceptismo. Su obra es conocida por su profundidad filosófica, su agudeza crítica y su concisión. Entre sus obras más destacadas se encuentran Los Sueños y La Vida del Buscón llamado Don Pablos.

Sor Juana Inés de la Cruz: Escritora y poeta mexicana, una de las máximas figuras del Barroco en América. Sor Juana se destacó tanto en la poesía religiosa como en la crítica social, y es conocida por su obra Inundación castálida y su famosa Respuesta a Sor Filotea de la Cruz, en la que defiende el derecho de las mujeres a la educación.

John Milton: Poeta inglés, autor de la famosa Paraíso perdido, una épica barroca que aborda temas como el pecado, la caída del hombre y la lucha entre el bien y el mal. Milton es un referente de la literatura barroca en lengua inglesa.

1.5. Obras más representativas de la literatura barroca

"La Fábula de Polifemo y Galatea" (Luis de Góngora): Esta obra es una de las más conocidas de Góngora y refleja su estilo culteranista. En ella se cuenta el mito de Polifemo y Galatea con un lenguaje rebuscado y una gran carga simbólica.

"Los Sueños" (Francisco de Quevedo): En esta obra, Quevedo ofrece una crítica feroz a la sociedad de su época, utilizando un estilo agudo y mordaz para retratar las corrupciones de los humanos y la fragilidad de la vida.

"Inundación castálida" (Sor Juana Inés de la Cruz): Es uno de los libros más importantes de Sor Juana, que reúne su poesía y su prosa. La obra es una muestra del talento intelectual y literario de la autora, y de su conocimiento de las corrientes filosóficas y teológicas de la época.

"Paraíso perdido" (John Milton): Esta es una de las grandes obras épicas del Barroco y narra la caída del hombre a través de una lucha entre el bien y el mal. La obra está impregnada de temas religiosos y filosóficos y es considerada un referente de la literatura barroca en inglés.

1.6. Desarrollar el análisis de la obra asignada de la literatura barroca

Primera parte: Datos relevante del autor y la obra

1. Biografía del autor: Molière (Jean-Baptiste Poquelin)

Jean-Baptiste Poquelin, conocido mundialmente como Molière, nació en París, Francia, el 15 de enero de 1622 y falleció el 17 de febrero de 1673. Fue un dramaturgo, actor y poeta francés, considerado uno de los más grandes autores de comedia en la literatura universal. Nació en el seno de una familia acomodada, y su padre fue tapicero real de Luis XIII. Estudió en el prestigioso Colegio de Clermont, donde recibió una educación humanista e incluso estudió Derecho, aunque nunca ejerció como abogado.

En 1643, decidió dedicarse al teatro, fundando con la actriz Madeleine Béjart la compañía teatral L’Illustre Théâtre, que enfrentó varias dificultades económicas. Durante más de una década recorrió distintas regiones de Francia con su troupe, adquiriendo experiencia y afinando su estilo como actor y dramaturgo. En 1658, su compañía fue presentada ante el rey Luis XIV, quien quedó impresionado por su talento. Desde entonces, Molière gozó del apoyo real, aunque también enfrentó fuertes críticas por parte de sectores religiosos y conservadores, especialmente con obras como Tartufo.

Molière fue pionero en la comedia de costumbres, y sus obras mezclan la sátira, la crítica social y el humor con gran maestría. Su teatro denuncia los vicios humanos como la avaricia, la hipocresía, la ignorancia y la falsa moral. A pesar de su fama, su vida fue corta: murió tras una representación de su obra El enfermo imaginario, cayendo enfermo en el escenario. Se dice que murió aún vestido con su ropa de actor. Hoy en día, es considerado el padre de la comedia francesa.

2. Contextos en que se desarrolla la obra El avaro

La obra El avaro, escrita en 1668, se desarrolla en el corazón de la sociedad burguesa de la Francia del siglo XVII, en un ambiente donde los intereses materiales empiezan a dominar las relaciones humanas. Esta comedia presenta una visión crítica de los valores que imperaban en ese tiempo, especialmente la importancia excesiva del dinero, incluso por encima del amor, la familia o la felicidad personal. Molière, a través de personajes exagerados como Harpagón, utiliza el humor para retratar una sociedad profundamente corrompida por la avaricia.

Aunque escrita como una comedia, El avaro refleja temas serios de su época, como el auge de la burguesía, el cambio de valores sociales y la deshumanización que provoca la obsesión con la riqueza. Molière muestra cómo el dinero puede distorsionar las emociones, quebrar los lazos familiares y pervertir la moral. El mundo de la obra está lleno de engaños, manipulaciones y contradicciones, lo cual refleja fielmente el espíritu barroco.

Además, Molière se burla de la estructura patriarcal dominante, donde los padres imponen su voluntad sobre los hijos, incluso en cuestiones de matrimonio. En la obra, los jóvenes luchan por el amor verdadero mientras el viejo Harpagón busca asegurar su fortuna. Esta tensión generacional también representa el choque entre el conservadurismo del pasado y los nuevos valores emergentes.

2.1 Contexto histórico en que se desarrolla la obra

La obra se sitúa en el siglo XVII, en plena época del absolutismo francés. Durante este periodo, Francia vivió una gran centralización del poder bajo el reinado de Luis XIV, el “Rey Sol”. El país se convirtió en una potencia europea en lo militar, político y cultural. Sin embargo, también hubo tensiones sociales, desigualdades económicas y un creciente control sobre las expresiones artísticas.

Históricamente, este periodo estuvo marcado por el conflicto entre las clases sociales tradicionales (nobleza y clero) y el surgimiento de una burguesía urbana cada vez más rica y poderosa. El dinero empezó a determinar la posición social más que el linaje, lo que generó conflictos y transformaciones en las relaciones humanas. Esta nueva realidad se refleja en la obra de Molière, donde el dinero es el centro de la vida de Harpagón, un burgués rico sin nobleza.

Además, el siglo XVII estuvo impregnado por los valores del Barroco, un movimiento artístico y cultural que expresaba la inestabilidad del mundo, el temor al paso del tiempo y la dualidad entre apariencia y realidad. El avaro, aunque una comedia, comparte esta visión barroca, pues retrata con ironía la miseria moral de un hombre atrapado por su obsesión con el dinero.

2.2 Contexto social en que se desarrolla la obra

En la sociedad francesa del siglo XVII, existía una gran desigualdad social. Las clases altas (nobleza y clero) vivían con privilegios, mientras que el pueblo sufría impuestos y carestías. En este contexto, la burguesía comenzó a ganar poder económico, pero no necesariamente prestigio social. Este grupo buscaba consolidar su estatus a través de la acumulación de bienes y matrimonios convenientes, lo cual se refleja en El avaro.

Harpagón representa esta figura burguesa obsesionada con el dinero y con mantener su fortuna, aunque eso signifique sacrificar la felicidad de sus hijos. Su comportamiento refleja los valores sociales emergentes de la época: el egoísmo, la avaricia, la ambición y la importancia del matrimonio como transacción económica. Los personajes jóvenes, en cambio, buscan el amor verdadero, lo que genera un conflicto social entre tradición y modernidad. También destaca la falta de movilidad social real. A pesar de tener dinero, Harpagón no es respetado, sino ridiculizado por su comportamiento mezquino. Esto muestra que el dinero no necesariamente compra el prestigio, sino que puede causar aislamiento y desdén. La crítica social de Molière es clara: la avaricia corrompe al individuo y daña las relaciones humanas.

2.3 Contexto político en que se desarrolla la obra

Políticamente, El avaro se escribió bajo la monarquía absoluta de Luis XIV, quien centralizó todo el poder en la figura del rey. A pesar de ello, Luis XIV fue un gran mecenas del arte y el teatro. Molière, de hecho, contó con su protección personal, lo que le permitió criticar ciertos aspectos de la sociedad sin sufrir la censura directa de la corona. Sin embargo, debía tener cuidado con los temas que abordaba.

La obra no ataca directamente al rey o a la nobleza, pero sí a los vicios de la burguesía, que eran cada vez más evidentes. Molière usa el personaje de Harpagón como símbolo de los males que afectan a la clase media: la codicia, el egoísmo y la insensibilidad. Al presentar estas conductas como ridículas, Molière cumple una función política: exponer, corregir y moralizar a través de la risa.

Finalmente, el control del poder también se ve reflejado en las dinámicas familiares que presenta la obra. Harpagón actúa como un tirano en su casa, imponiendo su voluntad sobre sus hijos. Esta microestructura política dentro del hogar refleja el absolutismo del Estado: el padre es el rey en su familia, y su palabra es ley. Pero al igual que el absolutismo, esta autoridad se presenta como caduca y absurda, dando lugar a una crítica indirecta al autoritarismo.

3. Resumen de la obra El avaro

El avaro es una comedia en cinco actos escrita por Molière en 1668. La obra gira en torno a Harpagón, un hombre extremadamente rico pero obsesivamente avaro, que ama más su dinero que a sus propios hijos. Harpagón planea casar a su hija Élise con un hombre viejo y rico llamado Anselmo, y a su hijo Cleanto con una viuda rica, todo con el propósito de no gastar nada y aumentar su fortuna. Sin embargo, sus hijos tienen otros planes: Élise está enamorada de Valerio, un joven que se ha infiltrado en la casa como criado para estar cerca de ella, mientras Cleanto ama a Mariana, una joven pobre.

Las cosas se complican cuando Harpagón decide casarse él mismo con Mariana, sin saber que su hijo también la ama. Este triángulo amoroso y económico genera una serie de situaciones cómicas y confusiones. Cleanto, al enterarse de las intenciones de su padre, intenta sabotear el compromiso, y con la ayuda del sirviente La Flèche, logra robar una caja donde Harpagón guarda diez mil escudos, su tesoro más preciado.

A partir de este robo, Harpagón enloquece y se obsesiona con encontrar su dinero, olvidándose incluso del matrimonio. La historia da un giro cuando se revela que Mariana y Valerio son, en realidad, hijos de Anselmo, lo que permite que ambos jóvenes puedan casarse con los hijos de Harpagón sin inconvenientes sociales ni económicos. Como parte del acuerdo, Anselmo se ofrece a pagar los gastos de las bodas, con tal de evitar conflictos, lo cual alegra enormemente a Harpagón, ya que no tendrá que gastar nada.

La obra concluye con un final feliz para los jóvenes, mientras Harpagón queda solo con su dinero. Aunque es una comedia, el mensaje moral es claro: el amor al dinero puede destruir las relaciones humanas y conducir a la soledad. Molière, a través del humor y la exageración, muestra cómo la avaricia transforma a las personas en caricaturas ridículas, incapaces de amar o ser amadas.

Análisis de la obra: El avaro (1668) de Molière

Segunda parte: Análisis estructural de la obra

1. ¿Cómo está estructurada la obra?

El avaro está dividida en cinco actos, una estructura clásica en el teatro francés del siglo XVII. No está escrita en verso, como muchas otras comedias de la época, sino en prosa. Cada acto desarrolla una parte del conflicto principal: la lucha de los hijos por el amor verdadero frente a los planes egoístas del padre. Dentro de los actos hay escenas que presentan diferentes subtemas, como la hipocresía, la obsesión por el dinero, la apariencia social y la rebelión generacional. Los personajes entran y salen de escena constantemente, lo que genera un ritmo ágil y dinámico.

2. Interpretación del título de la obra

El título El avaro hace referencia directa al personaje central de la obra, Harpagón, cuya avaricia extrema es el motor de todos los conflictos. El título resume en una sola palabra la crítica social de Molière: la degradación moral causada por la obsesión con la riqueza. Al no ponerle nombre propio al título, Molière convierte al protagonista en una figura simbólica, un tipo universal.

En un sentido más profundo, el título refleja una advertencia: la avaricia no solo destruye las relaciones personales, sino que también conduce al aislamiento y al ridículo. A través del humor, el autor desnuda las contradicciones internas de un personaje que, por guardar su oro, pierde su humanidad.

3. Ideas principales por partes de la obra

Acto I: Se presenta la personalidad dominante de Harpagón y su conflicto con los deseos amorosos de sus hijos. (Molière, 1668, p.15)

Acto II: Cleanto revela su amor por Mariana y entra en conflicto con su padre, quien también la desea. (Molière, 1668, p.27)

Acto III: Se pierde el dinero de Harpagón y estalla el caos. Su obsesión lo lleva a desconfiar incluso de sus propios hijos. (Molière, 1668, p.44)

Acto IV: Surgen verdades ocultas sobre la identidad de Mariana y Valerio, lo que cambia el rumbo de la historia. (Molière, 1668, p.60)

Acto V: Se resuelven los conflictos. Harpagón recupera su tesoro y accede a los matrimonios solo por no tener que gastar dinero. (Molière, 1668, p.75)

4. Ideas secundarias por partes de la obra

Acto I: La diferencia entre el amor verdadero y el matrimonio por conveniencia. (Molière, 1668, p.17) 

Acto II: La crítica a los préstamos y la usura como práctica común en la sociedad burguesa. (Molière, 1668, p.31)

Acto III: El uso de la intriga y el disfraz como herramientas para alcanzar objetivos personales. (Molière, 1668, p.48)

Acto IV: La importancia del linaje y la nobleza en los matrimonios concertados. (Molière, 1668, p.63)

Acto V: La contradicción entre el poder económico y la falta de afecto familiar. (Molière, 1668, p.78)

5. Descripción de los personajes principales y secundarios

Harpagón: Hombre mayor, extremadamente tacaño, manipulador, egoísta.

Cleanto: Joven apasionado, rebelde y enamorado de Mariana.

Elisa: Inteligente, sensible y enamorada de Valerio.

Valerio: Pretendiente de Elisa, astuto y noble.

Mariana: Joven noble, bella y dulce.

Frosina: Casamentera y oportunista.

Maese Simón y otros sirvientes: Personajes secundarios cómicos.

6. Figuras retóricas que usó el autor

Hipérbole: “¡Me han robado! ¡Asesinado! ¡Destripado! ¡Han arrancado el alma de mi dinero!”(Molière, 1668, p.52)

Ironía: “No hay nada como una joven bella... especialmente si viene sin dote.” (Molière, 1668, p.34)

7. Figuras literarias que usó el autor

Antítesis: “Padre, no todo se compra con oro; hay corazones que valen más que cofres llenos.” (Molière, 1668, p.38)

Enumeración: “Los ladrones, los criados, los hijos, los perros... ¡todos me quieren robar!” (Molière, 1668, p.49)

Tercera parte: Lectura comprensiva de la obra

1. ¿Cuál es el problema principal que trata la obra?

El problema central de El avaro es la avaricia extrema, representada por Harpagón, que pone en riesgo la felicidad de sus hijos, las relaciones familiares y la lógica humana.

2. ¿Cuál fue el motivo que el autor tuvo para escribir la obra?

Molière escribió esta comedia para criticar los vicios de la sociedad burguesa de su tiempo, especialmente la codicia, la hipocresía y los matrimonios por interés.

3. ¿Qué soluciones propone para solucionar el problema tratado en la obra?

La obra muestra que la avaricia puede ser superada a través del ridículo y la vergüenza pública. Harpagón accede a los matrimonios cuando recupera su dinero, aunque la solución real se muestra en el amor y la sinceridad.

4. ¿El problema tratado todavía se refleja en la sociedad salvadoreña actual?

Sí, muchas personas en la sociedad salvadoreña siguen valorando más el dinero que las relaciones humanas, y aún se ven matrimonios por conveniencia.

5. Compare el contenido de la obra con otro libro que haya leído.

El avaro puede compararse con Don Quijote de la Mancha. Ambos presentan personajes obsesivos que alteran su realidad. Mientras Harpagón vive por el dinero, Don Quijote vive por los ideales caballerescos. En ambos casos, los autores critican los excesos humanos y presentan una lección moral usando el humor o la sátira.